EL MUSEO MODERNO CUMPLE 70 AÑOS 

E INAUGURA SU PROGRAMA “HABITANDO EL FUTURO”

Del 16 al 19 de abril, con entrada libre, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inaugurará su Programa 2026 “Habitando el futuro”.

En la Semana del 70 Aniversario se pondrá en marcha una intensa temporada: la apertura de cinco nuevas exposiciones, jornadas de debate, encuentros con artistas, una visita a las reservas del Museo y una gran fiesta con música en vivo.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires celebra su 70 Aniversario con el inicio de su Programa anual 2026 “Habitando el futuro”, que reunirá más de diez exposiciones en su sede de Av. San Juan 350, cada una de las cuales desplegará perspectivas e investigaciones sobre los modos en que el ser humano habita la Tierra, con especial énfasis en las relaciones entre arte, diseño, naturaleza, arquitectura y urbanismos. El Programa —que incluirá, además, una extensa agenda con cientos de programas públicos, educativos y editoriales durante todo el año— se valdrá de metáforas que situarán las investigaciones artísticas en torno a diversos espacios geográficos: la profundidad de los océanos, la potencia de los ríos y sus entornos, la efervescencia del centro de la Tierra tal como se manifiesta a través de la actividad volcánica, la conectividad de los bosques y, asimismo, de los cielos y el cosmos. Al abordar cada uno de estos espacios, “Habitando el futuro” explorará los modos en que nos relacionamos con el ambiente (natural y social), con la intención de formular algunas de las preguntas cruciales de la humanidad ante el futuro. 

El Programa “Habitando el futuro” afirma los valores institucionales que guían a este gran museo público: 

• la puesta en valor del arte, la imaginación y el rol social del artista

• la investigación permanente y el valor de la historia

• el apoyo a la libertad de expresión, la creación y la producción artística experimentales

• la importancia de la educación en el arte y el arte en la educación

• la equidad, la inclusión y la accesibilidad

• el cuidado de los afectos, la salud y los vínculos comunitarios

• la sustentabilidad y el cuidado del planeta

Las exposiciones del programa presentan diálogos entre las obras de las colecciones de arte y diseño del Moderno, y obras de artistas del mundo y de nuestro país que hemos recibido en préstamo o que el Museo ha encargado y producido especialmente para esta ocasión. Este 70 Aniversario es un hito que permite poner de relieve las más de 800 obras adquiridas o recibidas en donación durante la última década, con el fundamental apoyo del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y de la sociedad civil.

Gabriela Ricardes, ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, expresó que “siempre es una alegría celebrar un espacio del que la comunidad artística y el público se sienten parte. Celebrar 70 años del Museo Moderno es celebrar todo lo que pasó y todo lo que sigue pasando acá adentro, un museo que no dejó de crecer, de renovarse y de estar cerca de su público. Ese espíritu, el que impulsó Rafael Squirru desde el inicio, sigue vivo hoy, acompañando a los artistas y haciendo de este espacio un lugar fundamental para la cultura de la Ciudad”.

Victoria Noorthoorn, directora del Museo Moderno, dice: “En este 70 Aniversario del Museo Moderno, decidimos mirar el futuro con optimismo, ofrecer la mejor versión de este gran museo público y a su paso demostrar la fuerza del arte actual para la construcción de un mundo mejor, ¡más disfrutable, más sano y reparador! Y estamos felices, ¡porque cada una de las salas que se inaugura este sábado es deslumbrante!
En las tres salas de esta gran colección que nos pertenece a todos, hay cientos de obras incorporadas al patrimonio durante la última década. Presentamos las obras históricas del Museo en diálogo con lo mejor del arte argentino del presente, actualizando la mirada sobre nuestra historia y mostrando la relevancia de los diversos movimientos históricos para el presente. Así, hoy en el Moderno, Eduardo Basualdo interpela a Renart; Sofía Bohtlingk interpela a Greco; Nicanor Aráoz interpela a De la Vega; ¡y Valentina Liernur a Maldonado! Las salas son una celebración de nuestro arte y de nuestros artistas, a quienes también homenajeamos con una enorme sala de retratos. Ingresaron también con fuerza las colecciones de diseño, y presentamos obras recientemente incorporadas al Moderno gracias a las gestiones del nuevo curador de Diseño Argentino.
El Programa 70 Aniversario “Habitar el futuro” sigue la misma línea: postula la importancia del arte y de la fuerza de la imaginación para el desarrollo humano. En cada una de las dos grandes exposiciones colectivas que inauguran este sábado, “Océano interior” y “Naturaleza arquitecta”, mostramos cómo los grandes artistas del mundo y de la Argentina accionan sobre el cuidado del planeta y sobre la construcción de políticas que salvaguardan la protección ecológica, y en este sentido, la paz. Estamos orgullosos de comprobar una vez más la belleza poética y la excelencia de las museografías del Moderno, la excelencia de nuestro equipo y nuestra capacidad para ofrecer a artistas nacionales e internacionales producciones sofisticadas que, no obstante, se han realizado con rigurosa austeridad. Para “Océano interior” y “Naturaleza arquitecta”, hemos hecho posible las grandes producciones de Ariel Cusnir de Buenos Aires, Ana Gallardo y Manuel Brandazza de Rosario, Felix Shumba de Zimbabue y Max Hooper Schneider de Los Ángeles, quienes nos honran con obras extraordinarias realizadas especialmente para este aniversario. También, gracias a diversos apoyos privados, pudimos acoger a estos y otros grandes artistas de la más alta esfera del arte internacional —los franceses Julian Charrière y Pierre Huyghe y a los brasileños Rivane Neuenschwander, Cao Guimarães, Jonathas de Andrade y Rayana Rayo— quienes dialogan en nuestras salas con lo mejor del arte argentino, en conversaciones altamente inspiradoras, sobre todo para todos los públicos jóvenes.

En síntesis, en este momento de un presente tan convulsionado, el Moderno será un refugio para seguir soñando, imaginando, celebrando y reconociendo la fuerza vital del arte para la construcción de un mundo mejor” .

Semana Aniversario

La celebración tendrá su punto de partida con la Semana Aniversario, que se realizará del jueves 16 al domingo 19 de abril, con entrada libre, y contará con jornadas de debate, una visita a las reservas del Museo y recorridos guiados por artistas.

El día central será el sábado 18, con una agenda especial que se iniciará a las 15 h con la inauguración de cinco exposiciones: “Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario”, la exposición del patrimonio del Museo que incorpora una selección de piezas emblemáticas de su Colección de Diseño Argentino, junto con importantes obras adquiridas en los últimos años; “Océano interior” y “Naturaleza arquitecta”, dos importantes exposiciones colectivas en la que participan artistas nacionales y extranjeros de alto nivel internacional, que abordan investigaciones artísticas en torno a diversos territorios y ecosistemas, desde los océanos y ríos hasta los bosques, la actividad volcánica y el cosmos, y los proyectos “Ariel Cusnir: Desde el origen” y “Ana Gallardo: Materiales para la memoria”, en los espacios del hall y café del Moderno. A las 19 h, la jornada continuará con la Noche Moderna, la gran celebración del 70 Aniversario, con música en vivo y DJ sets.

PROGRAMA DE EXPOSICIONES 2026
“HABITANDO EL FUTURO”

Índice

I. Programa 2026 “Habitando el futuro” – Por Victoria Noorthoorn 4

II. Exposición 1: “Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario” 5

III. Grandes exposiciones colectivas del Programa “Habitando el futuro” 2

Exposición 2: “Océano interior” 2

Exposición 3: “Naturaleza arquitecta” 3

Exposición 4: “Ariel Cusnir: Desde el origen” 6

Exposición 5: “Ana Gallardo: Materiales para la memoria” 7

IV. Subprograma: Memoria y Futuro 7

Exposición 6: “Darkness Visible: The Long Shadow of Dictatorship” [“Oscuridad visible: La larga sombra de la dictadura”] 8

Exposición 7: “La memoria de la colección: El Moderno en el Parque” 9

V. Semana Aniversario: del 16 al 19 de abril 10

Jornadas “Habitando el futuro” 11

VI. La Misión del Museo Moderno 14

I. Programa 2026 “Habitando el futuro” – Por Victoria Noorthoorn

Durante 2026, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires celebra su 70 Aniversario, y para esta ocasión hemos desarrollado el programa de exposiciones “Habitando el futuro”, el cual afirma los siete valores institucionales que guían a este gran museo público de nuestra ciudad:

• La puesta en valor del arte, la imaginación y el rol social del artista

• La investigación permanente y el valor de la historia

• El apoyo a la libertad de expresión, la creación y la producción artística experimentales

• La importancia de la educación en el arte y el arte en la educación

• La equidad, la inclusión y la accesibilidad

• El cuidado de los afectos, la salud y los vínculos comunitarios

• La sustentabilidad y el cuidado del planeta

El Programa “Habitando el futuro” abarca dos importantes universos de investigaciones: 

En primer lugar, las diez exposiciones del 2026 en Av. San Juan desplegarán perspectivas e investigaciones sobre los modos en que habitamos la Tierra, poniendo especial énfasis en las relaciones entre arte, diseño, naturaleza, arquitectura y urbanismos. Nos valdremos de metáforas que situarán las investigaciones artísticas en torno a diversos espacios geográficos: la profundidad de los océanos, la potencia de los ríos y sus entornos, la efervescencia del centro de la Tierra tal como se manifiesta en la actividad volcánica, la conectividad de los bosques y, asimismo, de los cielos y el cosmos. Al adentrarnos en cada uno de estos ambientes naturales, exploraremos los modos en que, en tanto humanidad, nos relacionamos con nuestros entornos naturales y sociales, con la intención de abordar las preguntas cruciales de la humanidad ante el futuro. 

Estas exposiciones presentan diálogos entre las obras de las colecciones de arte y diseño del Moderno, y obras de artistas del mundo y de nuestro país que hemos recibido en préstamo o que hemos encargado y producido. Este 70 Aniversario es un hito que nos permite poner de relieve las más de 800 obras adquiridas o recibidas en donación durante la última década, con el fundamental apoyo de la sociedad civil. 

En segundo lugar, el 2026 marca una fecha histórica para la Argentina: se cumplen 50 años del golpe de Estado que inició la última dictadura militar en nuestro país, la cual ejecutó una política sistemática de censura, asesinatos y desaparición de personas. A partir de la convicción de que no podemos construir un futuro mejor sin tener conciencia plena de la historia, el Moderno ha desarrollado dos importantes exposiciones extramuros reunidas bajo el eje “Habitando el futuro”; desde mayo en Spazio Punch (Venecia), “Darkness Visible: The Long Shadow of Dictatorship [Oscuridad visible: La larga sombra de la dictadura]” y, desde junio en el Parque de la Memoria (Buenos Aires), “La Memoria de la Colección: El Moderno en el Parque”.

Hoy desde el Museo Moderno afirmamos la importancia del museo como un espacio cívico, institucional y, en nuestro caso, público, con la inmensa responsabilidad que esta condición implica. Y afirmamos el rol de los artistas en la sociedad como intelectuales capaces de incentivar el análisis de la realidad, el pensamiento crítico y el desarrollo de la imaginación como instrumento fundamental para el desarrollo humano. 

El Programa 2026 “Habitando el futuro” incluye las siguientes exposiciones:

II. Exposición 1: “Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario”

En ocasión del 70 Aniversario del Museo Moderno, presentamos una nueva exposición de la colección pública de arte argentino moderno y contemporáneo más importante del país, con más de 8000 obras y piezas de diseño gráfico e industrial, construida gracias al constante y generoso apoyo de la sociedad civil.

La Colección fue creada por iniciativa de sus tres primeros directores. Rafael Squirru, fundador y primer director del Museo, la inició en 1956, al adquirir las primeras obras directamente de los talleres de los grandes artistas argentinos del momento. Le siguieron Hugo Parpagnoli, quien la fortaleció e inauguró la gran Colección de Fotografía, y Guillermo Whitelow, que continuó esa gran labor. Más recientemente, Laura Buccellato incorporó el legado de Alberto Heredia y creó la colección de diseño junto al arquitecto Ricardo Blanco, quien le dio su forma inicial. 

A partir de la actual dirección de Victoria Noorthoorn y junto al Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, desde 2013 el Museo Moderno recuperó su tradición de adquisiciones y ha visto un fortalecimiento inédito de sus colecciones: ingresaron, hasta el momento, 264 obras adquiridas y 564 en donación. Este fundamental robustecimiento del patrimonio —que le permite al Museo seguir el pulso vital del arte argentino— pudo gestionarse gracias al apoyo de numerosos artistas y sus familias, galeristas, mecenas y empresas, y del Comité de Adquisiciones fundado por Noorthoorn en 2019 y la Asociación Amigos del Moderno. 

Esta edición de “Moderno y MetaModerno” ha sido curada por la directora del Museo Moderno en diálogo con los equipos de Curaduría, Patrimonio y Conservación. Esta nueva exposición de las colecciones se despliega como una sucesión de núcleos artísticos: la tradición abstracto-geométrica, el Informalismo, el arte cinético, el pop, el diseño gráfico e industrial, la Nueva Figuración y el arte creado en tiempos de dictadura, posdictadura y el presente. En todos los casos, el Moderno presenta una conversación entre obras históricas y recientes del Patrimonio, para poner en valor el arte que está siendo creado en los talleres de los artistas argentinos. 

A lo largo de la exposición, los Códigos QR que acompañan a las obras son portales que invitan a investigar los archivos digitales del Museo: la Biblioteca, los Archivos Históricos, la Historia de las Exposiciones durante 70 años y los más de 70 libros publicados en la última década. Estas plataformas digitales son el resultado del trabajo del equipo del Moderno durante los últimos 13 años, orientado a cumplir la misión del Museo de proteger su gran acervo, investigarlo y darlo a conocer, lo que impacta positivamente en la comunidad artística argentina.

 

Prólogo: “Platonic Love” [“Amor platónico”]

Adoptando el título de un bello y muy pequeño dibujo de la artista Graciela Hasper, la primera sala de “Moderno y MetaModerno” presenta una conversación imaginaria entre obras de esta Colección que, en palabras de Victoria Noorthoorn, “deseaban verse juntas desde hace mucho tiempo”. La sala despliega obras icónicas del arte abstracto-geométrico argentino de los años 40 —incluidas las que ingresaron a la colección gracias a la donación de la colección de Ignacio Pirovano— junto a numerosas obras que continuaron explorando la tradición abstracta hasta el presente. Es, a primera vista, la presentación de una conversación atemporal. Pero al mirar más detenidamente se notarán algunas particularidades: a medida que avanzamos en el tiempo desde los años 40 hasta hoy, la mirada de las artistas mujeres aquí presentes ablanda la geometría, la vuelve más amorosa, más empática. Se permite el juego, el guiño, la crítica institucional, el humor.

Victoria Noorthoorn observa: “Este relato sobre una abstracción blanda o platónicamente amorosa permite vislumbrar varios objetivos y logros del Museo Moderno que nos llenan de orgullo. Por un lado, la importante presencia de artistas mujeres creadoras de muchas obras recientemente adquiridas o donadas, buscando lograr una representación más equitativa de nuestra sociedad. Por otro lado, la clara vocación federal de este gran Museo público, al presentar obras de artistas de las más diversas provincias del país, tanto históricas como contemporáneas”. 

Un relato Moderno

Las siguientes dos grandes salas de “Moderno y MetaModerno” revisitan los períodos cruciales del arte argentino a través de las grandes obras de la colección, desde fines de los años 50 hasta la actualidad, trazando continuidades y rupturas entre generaciones. 

La sucesión de núcleos históricos comienza con el Informalismo, un movimiento de ruptura muy influyente para el desarrollo posterior del arte argentino, que coincidió con la creación y los primeros años del Museo y tuvo en su primer director, Rafael Squirru, a uno de los principales impulsores. En estrecho diálogo con artistas como Alberto Greco, Rubén Santantonín, Emilio Renart, León Ferrari y Marta Minujín, tanto Squirru como Hugo Parpagnoli, quien lo sucedió en la dirección, reunieron una colección excepcional del período. El Informalismo produjo un giro radical en la pintura al incorporar materiales como trapos, maderas quemadas y alambres, y desafiar las convenciones del arte abstracto dominante con nuevas formas experimentales. 

El recorrido continúa con el arte abstracto en los años 60 cuando, bajo la influencia de experiencias como el Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV), la obra se transformó en un dispositivo activo que involucra al espectador a través del movimiento y los efectos ópticos. Asimismo, en la segunda mitad de los años 60, se produjo la explosión del arte pop argentino, que incorporó imágenes de la cultura de masas para explorar las relaciones entre el arte, la vida urbana y la modernización. En este contexto, el diseño adquirió un rol central como práctica vinculada a la industria, la tecnología y la comunicación visual, a la vez que dialogaba con las investigaciones perceptivas del período. 

La exposición luego presenta obras de la Nueva Figuración, movimiento que restituyó la figura humana mediante imágenes fragmentadas y de gran intensidad material que expresan una profunda crisis cultural. Otro núcleo aborda el arte durante la última dictadura militar (1976-1983) y sus efectos posteriores, con obras de Alberto Heredia, León Ferrari y Luis Pazos, que utilizan el cuerpo, el lenguaje y la experimentación material para denunciar la violencia política. La exhibición incluye a artistas posteriores al regreso de la democracia (1983), que revelaron la persistencia de las cicatrices dejadas por el trauma dictatorial. Desde los años ochenta se produce un retorno de la pintura con una expresividad vinculada a los circuitos underground y a nuevas formas de sociabilidad, que en los años noventa derivaron en prácticas íntimas y sensibles a la fragilidad del cuerpo y al cuidado colectivo. 

En la sección dedicada al arte contemporáneo, “Moderno y MetaModerno” presenta obras que el Museo ha adquirido en los últimos años, en las que la figuración y el cuerpo humano regresan desde perspectivas ligadas a la construcción de la identidad, el género y el deseo. 

En todas las secciones, se incluyen obras de artistas contemporáneos de la Colección en diálogo con obras históricas, actualizándolas, demostrando su pertinencia para la actualidad.

La presencia del diseño 

La exposición presenta, además, una importante selección de piezas de diseño que ingresaron a la colección gracias a las gestiones de Ricardo Blanco en los años 2000 y de Franco Chimento, curador de Diseño del Moderno, en 2025. Al respecto, Chimento explica: “Durante este último año, el Moderno retomó la política de adquisiciones de diseño, con piezas nacionales emblemáticas como el sillón “Costilla” (ca. 1948), de Martin Eisler (Interieur Forma) y el “Sillón básico” (ca. 1969), de Margarita Paksa y Osmar Cairola (Muebles Acrílicos Contemporáneos). Completa así un conjunto representativo de los episodios clave de la modernización del habitar en la Argentina de mediados del siglo XX. Entre 1930 y 1950, a las firmas extranjeras del mercado nacional, se sumaron iniciativas locales orientadas al desarrollo de nuevos medios de producción y a la fabricación en serie, con figuras pioneras como Alejandro Bustillo, el Grupo Austral, Tomás Gonda y César Jannello. En esta época, el aporte de importantes arquitectos y diseñadores inmigrantes, formados en escuelas europeas, como Susi Aczel, Martin Eisler y Herman Loos, y la aparición de las primeras firmas de mobiliario moderno local consolidaron un campo profesional propio”.

Epílogo: Retratos de artistas

En este año de celebración, el Moderno elige rendir homenaje a los creadores que han habitado esta casa del arte argentino con una selección de retratos de artistas realizados por artistas presentes en la Colección de Fotografía del Moderno. Setenta imágenes de destacados fotógrafos, como Annemarie Heinrich, Sameer Makarius, Gian Paolo Minelli, Anatole Saderman y Aldo Sessa, exhiben su poder de observación al captar la intensidad expresiva de otros grandes artistas. Al registrar escenas cotidianas de trabajo, estas fotografías acercan al público a los procesos de creación y revelan, a la vez, la cercanía entre colegas, que se traduce en las miradas cómplices entre retratistas y retratados. “Moderno y MetaModerno” homenajea estos lazos y afinidades que el Museo reconoce como parte constitutiva de su propia historia. 

“Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario”

Artistas y Diseñadores: 

Susi Aczel

Roberto Aizenberg

Josef Albers

Carlos Alonso

Julián Althabe

Nicanor Aráoz

Joaquín Aras

Carmelo Arden Quin

Sergio Avello

Elba Bairon

Osmar Bartolomé Cairola

Eduardo Basualdo

Carlota Beltrame

Carrie Bencardino

Antonio Berni

Ricardo Blanco

Martín Blaszko

Sofía Bohtlingk

José Antonio Bonet

Alejandro Bustillo

Juana Butler

Eduardo Alejandro Cabrejas Antonio Caro

Carmelo Carrá

Juan Carlos Castagnino

Pérez Celis

Elda Cerrato

Luis Centurión

María Luisa Colmenero

Eugenia Crenovich

María D'Avola

Flavia Da Rin

Jorge Daguerre

Jorge De la Vega

Sergio De Loof

Ernesto Deira

Juan Del Prete

Hugo Demarco

Germaine Derbecq

Noemí Di Benedetto

Juan Carlos Distéfano

Jorge Doujan

Thomas Downing

Ana Eckell

Martín Eisler

Clara Esborraz

Jorge Ferrari Hardoy

León Ferrari

Fanny Fingermann

Rubén Fontana

Luis Frangella

Ana Gallardo

Arnoldo Gaite

Ricardo Garabito

Carlos García Bes

Rodrigo García Bes

Santiago García Sáenz

Nicolás García Uriburu

Noemí Gerstein

Edgardo Giménez

Alberto Goldenstein

Tomás Gonda

Guillermo González Ruiz

Alberto Greco

Silvio Grichener

Silvia Gurfein

Graciela Hasper

Annemarie Heinrich

Alberto Heredia

Alfredo Hlito

Enio Iommi

César Jannello

Eduardo Joselevich

Kenneth Kemble

Hugo Kogan

Guillermo Kuitca

Juan Kurchan

Alejandro Kuropatwa

Fernanda Laguna

Julio Le Parc

Reinaldo Leiro

Noé León

Valentina Liernur

Alfredo Londaibere

Hermann Loos

Raúl Lozza

Eduardo Mac Entyre

Víctor Magariños

Sameer Makarius

Tomás Maldonado

Hilda Mans

Alcides Martínez Portillo

Federico Martino

María Martorell

Liliana Maresca

Juan Melé

Trinidad Metz Brea

Estanislao Mijalichen

Gian Paolo Minelli

Marta Minujín

Roberto Nápoli

Pedro Otero

Eduardo Painceira

Margarita Paksa

Luis Pazos

Martha Peluffo

Sandro Pereira

Emilio Pettoruti

Anselmo Piccoli

Tiziana Pierri

La Chola Poblete

Rogelio Polesello

Lincoln Alfredo Presno Hargain

Alfredo Prior

Alejandro Puente

Dalila Puzzovio

Valentina Quintero

Emilio Renart

Juan Carlos Romero

Anatole Saderman

Rubén Santantonín

Cristina Schiavi

Rosana Schoijett

Antonio Seguí

Eduardo Serón

Aldo Sessa

Carlos Silva

Juan Stoppani

Pablo Suárez

Amanda Tejo Viviani

Juan Tessi

Luis Tomasello

Silvia Torras

Leila Tschopp

Georges Vantongerloo

Gregorio Vardánega

Miguel Ángel Vidal

Sesostris Vitullo

Luis Alberto Wells

Judi Werthein

Amancio Williams

Cecilia María Wolanow

Guido Yannitto

Curaduría: Victoria Noorthoorn, Patricio Orellana, Pino Monkes, Franco Chimento, Nicolás Cuello, Raúl Flores, Jorge Ponzone y Valeria Semilla

Investigación: Equipos de Curaduría, Patrimonio y Conservación del Museo Moderno

Diseño museográfico: Iván Rösler

Inauguración: 18 de abril de 2026

Salas: Primer piso

III. Grandes exposiciones colectivas del Programa “Habitando el futuro” 

En el marco del programa 2026, “Habitando el futuro”, el equipo del Museo Moderno presenta dos grandes exposiciones colectivas que se destacan por su escala, complejidad y proyección internacional. “Océano interior” y “Naturaleza arquitecta" fueron concebidas en paralelo como propuestas espejadas, que reúnen a artistas nacionales e internacionales de reconocida trayectoria. Ambas abordan investigaciones artísticas sobre diversos territorios y ecosistemas, desde la profundidad de los océanos hasta la superficie de la Tierra con sus ríos, bosques y actividad volcánica. Ambas exposiciones invitan a la reflexión sobre posibles modos de relación entre naturaleza, tecnología y sensibilidad contemporánea. 

La realización de estas exposiciones estuvo a cargo del equipo del Museo bajo la dirección de Iván Rösler, jefe de Diseño y Producción de Exposiciones, junto a los productores del Museo: Martina Estelí García, Julieta Potenze, Laura Roldán, Edgar Lacombe y Ana Cambre. El proyecto contó, además, con la coordinación de montaje de Germán Sandoval y la coordinación de iluminación, sonido y tecnologías a cargo de Guillermo Carrasco. 

Durante el segundo semestre, esta línea curatorial se completará con la inauguración de “Bosques Umbral", una nueva y ambiciosa exposición que está siendo curada por la artista Onome Ekeh en colaboración con Nicolás Cuello, curador del Museo Moderno. La exposición reunirá a artistas argentinos que exploran el diseño, la ciencia ficción y la inteligencia artificial, junto con propuestas internacionales que reinterpretan el paisaje desde perspectivas ecológicas y cosmovisiones vinculadas con la diáspora africana.

Estas exposiciones cuentan con el apoyo del Institut Français, la Embajada de Francia en la Argentina, la Embajada de Brasil en Buenos Aires, el Instituto Guimarães Rosa, la Fundación Williams y la Fundación Ama Amoedo.

Exposición 2: “Océano interior”

La exposición "Océano interior” invita a aventurarse en las profundidades del océano, en un viaje hacia lo más remoto y desconocido de su interior, y, al mismo tiempo, invita a concebirla como una metáfora de la inconmensurabilidad del ser. Curada por Alfredo Aracil en diálogo con Victoria Noorthoorn y Patricio Orellana, toma como punto de partida la obra del artista francosuizo Julian Charrière para concebir el descenso al fondo marino como una experiencia transformadora, capaz de inspirar un mejor entendimiento de nuestro entorno. Entre paisajes polares, hielos permanentes y geografías abisales, el océano aparece como una reserva de formas de vida, donde se inscriben las primeras metamorfosis de la vida y donde se proyectan futuros alternativos. En un contexto de creciente explotación de los ecosistemas marinos, "Océano interior” aboga por imaginar respuestas positivas a las preguntas más urgentes: ¿cómo adaptarse a un entorno cambiante?, ¿qué se puede aprender de las especies que habitan los mares? 

La obra de Julian Charrière, “Midnight Zone” (2024) funciona como eje conceptual: una luz que desciende en el Pacífico activa encuentros con criaturas y partículas, revelando tanto la belleza como la fragilidad de estos ecosistemas. En diálogo con estas obras, el estadounidense Max Hooper Schneider realizó “Falling Angel 2 (Merzlandschaft)” (2026), una asombrosa instalación realizada en un esfuerzo de producción junto al Museo, en la que una mezcla de restos industriales compone un hábitat fantástico donde naturaleza y tecnología se funden para imaginar universos futuros más allá de los relatos de colapso. Las argentinas Aurora Castillo y Jimena Croceri articulan un diálogo entre arte y ciencia como una forma de colaboración con los elementos propios de cada entorno: Castillo filma junto a un equipo de biología marina la vida en un bosque de macroalgas en Chile, mientras que Croceri habilita la posibilidad de que el mar intervenga sus telas en la costa atlántica, inscribiendo en ellas sales, restos y variaciones del clima. En el centro, una escultura del artista histórico Juan Pablo Renzi traduce lo líquido en estructura a través de un cubo en proceso de derretirse, mientras que Erica Bohm presenta una serie de fotografías de los llamados “hielos testigo” de Svalbard (Noruega), que conservan huellas de la atmósfera. A esto se suma “A Journey That Wasn’t” (2005), del destacado artista francés Pierre Huyghe, que parte de una expedición antártica para poner en cuestión los límites entre ciencia, ficción y relato. Asimismo, un variado conjunto documental abre los temas de la exhibición en diversas direcciones: desde las ilustraciones del Infierno como un gran bloque de hielo de Gustave Doré, hasta las ficciones afrofuturistas del dúo electrónico de Detroit, Drexciya, pasando por investigaciones argentinas sobre el Atlántico Sur y proyectos históricos sobre la Antártida, entre ellos, el del gran arquitecto del Movimiento Moderno argentino Amancio Williams.

Artistas, arquitectos y científicos: 

Erica Bohm (Buenos Aires, 1976 – donde vive)

Giacomo Bove (Maranzana, Italia, 1852 – Verona, Italia, 1887)

Giovanni Roncagli (Bolonia, Italia, 1857–1929)

Aurora Castillo (Buenos Aires, 1987 – donde vive)

Julian Charrière (Morges, Suiza, 1987 – vive en Berlín, Alemania)

Jimena Croceri (Cutral-Có, Argentina, 1981 – vive en Buenos Aires, Argentina)

Gustave Doré (Estrasburgo, Francia, 1832 – París, Francia, 1883)

Drexciya (Detroit, Estados Unidos, 1989 – 2002)

Carlos Ginzburg (La Plata, Argentina, 1946 – vive en París, Francia)

Max Hooper Schneider (Los Ángeles, Estados Unidos, 1982 – donde vive)

Pierre Huyghe (París, Francia, 1962 – vive en París y Nueva York)

Instituto de Conservación de Ballenas

Movimiento Habitar Las Algas (SOA Argentina, CONICET, Oceanar, Kalfu Mapu, Marea Sintiente, UTN, UNTDF, Ecocentro)

Roger Payne (Nueva York, Estados Unidos, 1935 – Vermont, Estados Unidos, 2023)

Instituto de Conversación de Ballenas

Juan Pablo Renzi (Buenos Aires, Argentina, 1940 – 1992)

Amancio Williams (Buenos Aires Argentina, 1913 – 1989)

Curaduría: Alfredo Aracil, en diálogo con Victoria Noorthoorn y Patricio Orellana

Diseño museográfico: Iván Rösler y Gonzalo Silva

Inauguración: 18 de abril de 2026

Salas: Segundo subsuelo

Exposición 3: “Naturaleza arquitecta”

“Naturaleza arquitecta” es una exposición colectiva curada por Patricio Orellana, jefe del Departamento de Curaduría del Museo Moderno, junto con Victoria Noorthoorn, directora del Museo. Presenta un importante diálogo entre artistas y arquitectos nacionales e internacionales y cuenta con la producción del equipo del Museo Moderno y un innovador diseño museográfico de Daniela Thomas, Felipe Tassara, Iván Rösler y Gonzalo Silva, quienes desarrollaron un proyecto profundamente comprometido con uno de los valores centrales del Museo: la sustentabilidad. 

Inspirada en la noción de “bosque cultural” de Paulo Tavares, el arquitecto brasileño ganador del León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2023, “Naturaleza arquitecta” invita a reconocer a la naturaleza como la verdadera protagonista de las prácticas creativas y sociales, como arquitecta, artista y entidad política con derecho propio.

El recorrido se organiza en dos grandes salas que presentan modos complementarios de abordar la naturaleza. La primera sala toma la forma de una gran mesa-río sobre la que se despliegan proyectos artísticos y arquitectónicos transformadores de los territorios de la región. Junto a los materiales de los propios artistas y colectivos, se disponen actividades interactivas para diversos públicos creadas por el Departamento de Educación del Museo Moderno. El recorrido comienza con los proyectos de Paulo Tavares sobre la Amazonia brasileña, abordada como espacio arquitectónico. Plataformas de investigación como m7red y Casa Río Lab cartografían territorios atravesados por procesos ecológicos, económicos y políticos, como los ríos que circundan la ciudad de Buenos Aires hasta la cuenca del Plata. El proyecto Utopía del Sur sigue el legado de Nicolás García Uriburu, un artista pionero, cuyo abordaje visionario del arte como activismo ecológico influyó decisivamente en los artistas de esta exposición. El proyecto honra su legado a través de grandes reservas dedicadas a la protección medioambiental y la reinserción de especies vulnerables. El artista Tomás Saraceno también reflexiona sobre una naturaleza creadora en su investigación sobre las telarañas como modelos de colaboración entre especies. La exposición honra la tradición de poesía abocada a la experimentación con el paisaje, con una sección dedicada al gran poeta chileno Raúl Zurita. Florencia Levy, por su parte, con su investigación sobre los paisajes marcados por el extractivismo, revela nuevas formas de sedimentación material e histórica.

En la siguiente sala, un conjunto de obras invita a activar el cuerpo y los sentidos a través de experiencias inmersivas. Continuando con el paseo ribereño, presentamos dos grandes obras inspiradas en el río Paraná realizadas por el rosarino Manuel Brandazza especialmente para esta exposición junto con los equipos del Museo Moderno. Por un lado, Brandazza presenta un gran mural realizado con barro del Paraná. También, puede verse un video que registra un desfile monumental producido por el artista, que transformó el río en una enorme pasarela donde decenas de modelos vistieron sus diseños a bordo de barcazas. 

Un dibujo de Adriana Bustos nos relaciona con las aguas a través de la leyenda de La Maldonado, de donde proviene el nombre del arroyo entubado que corre por debajo de Buenos Aires. Dos cautivantes obras fílmicas del notable artista brasileño Jonathas de Andrade nos sitúan en territorios costeros y fluviales del nordeste de Brasil. En “O Peixe”, la rutina de los pescadores se quiebra en un gesto perturbador, el abrazo a los peces hasta su muerte, en una reflexión sobre nuestra relación ambivalente con la naturaleza. En “Jangadeiros e canoeiros”, en cambio, las velas creadas por pescadores componen una coreografía hipnótica donde el color y la forma revelan una potencia estética capaz de dialogar con la tradición abstracta brasileña. 

Otros artistas, como Valeria Maggi y Rayana Rayo (artista brasileña que realizó una residencia en Casa Heredia, utilizada por primera vez desde su apertura como taller de producción), emplean la potencia sensorial de la pintura para crear paisajes fantásticos con una fuerte carga expresiva y personal. 

“Naturaleza arquitecta” también descubre lo que se esconde bajo la tierra y las rocas, en las capas que sostienen el mundo. Las raíces de Virginia Buitrón, los trabajos con volcanes de Eduardo Navarro y Sebastián Roque, y las investigaciones sobre la extracción energética de Julián D’Angiolillo revelan la potencia estética y material soterrada. Otros artistas recurren a los animales para abrir la percepción hacia perspectivas más allá de lo humano: desde el poético film de Rivane Neuenschwander y Cao Guimarães, hasta las acuarelas de hormigas de Ariel Cusnir y las máscaras animales de Florencia Rodríguez Giles.

El recorrido culmina con la obra monumental del zimbabuense Felix Shumba, quien representa este año a su país en la 61ª Bienal Internacional de Arte de Venecia (2026). Invitado especialmente por el Museo Moderno, el artista compone un gran paisaje nocturno realizado con carbonillas que produjo con madera de los bosques de su tierra natal, Bulawayo. En el mural, un bosque nocturno emerge como una criatura fantástica capaz de abarcar y devolver la mirada.

Artistas y colectivos: 

Manuel Brandazza (Rosario, Argentina, 1975 – donde vive)
Virginia Buitrón (Buenos Aires, Argentina, 1977 – donde vive)
Adriana Bustos (Buenos Aires, Argentina, 1965 – donde vive)
Ariel Cusnir (Buenos Aires, Argentina, 1981 – donde vive)

Julián D’Angiolillo (Buenos Aires, Argentina, 1976 – donde vive)
Jonathas de Andrade (Alagoas, Brasil, 1982 – vive en Recife, Brasil)
Cao Guimarães (Minas Gerais, Brasil, 1965 – donde vive)
Artur Lescher (São Paulo, Brasil 1962 – donde vive)

Florencia Levy (Buenos Aires, Argentina, 1979 – donde vive)
m7red (Mauricio Corbalán y Pío Torroja)
Valeria Maggi (Tucumán, Argentina, 1985 – vive en Buenos Aires, Argentina)
Eduardo Navarro (Buenos Aires, Argentina, 1979 – donde vive)

Rivane Neuenschwander (Minas Gerais, Brasil, 1967 – vive en San Pablo, Brasil)
Rayana Rayo (Recife, Brasil, 1989 – donde vive)
Casa Río Lab (Alejandro Meitin, Brian Holmes y Daniel Lorenzo)
Florencia Rodríguez Giles (Buenos Aires, Argentina, 1978 – donde vive)
Sebastián Roque (Rio Negro, Argentina, 1982 – vive en Milan, Italia)
Tomás Saraceno (Tucumán, Argentina, 1973 – vive en Buenos Aires, Argentina)

Felix Shumba (Bulawayo, Zimbabue, 1989 – vive en Masvingo, Zimbabue)
Paulo Tavares (Campinas, Brasil, 1980 – vive en Brasilia, Brasil)
Utopía del Sur / Nicolás García Uriburu (Buenos Aires, Argentina, 1937 – 2016)

Raúl Zurita (Santiago de Chile, Chile, 1950 – donde vive)

Curaduría: Patricio Orellana, en diálogo con Victoria Noorthoorn

Diseño museográfico: Daniela Thomas + Felipe Tassara, Iván Rösler y Gonzalo Silva

Producción: Julieta Potenze y Ana Cambre

Inauguración: 18 de abril de 2026

Hasta: abril 2027

Salas: Planta baja

Exposición 4: “Ariel Cusnir: Desde el origen”

Ariel Cusnir (Buenos Aires, 1981) fue invitado por el Museo Moderno a intervenir la entrada al Museo para su 70 Aniversario. El artista experto en acuarela y en el pequeño formato investigó a fondo el programa “Habitando el futuro” y creó el bellísimo proyecto “Desde el origen”, que invita a la reflexión y la pausa como ingreso a la experiencia artística del Moderno. “Desde el origen” es la acuarela más grande jamás realizada por Ariel Cusnir: en el acto de llevar a gran escala esta técnica históricamente asociada al pequeño formato, el artista nos invita a entregarnos a una contemplación del agua en sus múltiples estados, tan apacible como fascinante. La invitación deviene fascinación cuando comprendemos que este gran mural fue realizado por el artista con agua de mar que él mismo trajo de las playas de Necochea. En “Desde el origen”, el agua es tanto la imagen como la materia con la que se realiza; es representación y es presencia. De agua están hechas las nubes y los mares, pero también la propia pintura que los celebra. Así, Cusnir transforma el espacio de ingreso del Museo Moderno en un gran cuaderno de viajes y nos envuelve en una atmósfera serena, previa a toda separación de las cosas, donde el horizonte se vuelve un umbral y el agua, origen de la vida, reaparece como promesa de futuro. 

El proyecto “Desde el origen” fue realizado por Cusnir con el apoyo de producción del Museo Moderno de Edgar Lacombe. 

Curaduría: Raúl Flores

Sala: Hall 

Exposición 5: “Ana Gallardo: Materiales para la memoria”

Ana Gallardo (Rosario, 1956; vive en Ciudad de México) fue invitada a realizar una obra para el Café del Museo Moderno, sobre “la mesa” como objeto cultural que propicia el cuidado de los afectos y los vínculos comunitarios. La artista eligió, como imagen de fondo de su obra, la ampliación de una pintura de su madre, también artista, quien falleció cuando Gallardo tenía solo 7 años. A partir de esta relación con la ausencia familiar y la posibilidad del recuerdo cotidiano, la artista decidió visitar durante el último año a diversas familias de nuestro país cuyos hijos fueron desaparecidos. En esos encuentros, identificó objetos muy preciados por los familiares, que les recuerda a sus seres queridos todavía ausentes. Gallardo eligió algunos de estos objetos, dibujó otros tantos, y los reunió en el bodegón que recuerda la apasionada creatividad de su madre, como un marco de contención para las sentidas conversaciones aquí referidas. De este modo, “Materiales para la memoria” escenifica los gestos íntimos a los que el arte recurre para sostener la presencia de quienes nos faltan. Recuerdos que anidan en la arquitectura de lo doméstico, en la belleza silenciosa que acompaña el día a día, para que su apacible presencia resguarde con esperanza el sentimiento reparador de un nuevo encuentro. 

Producción: Edgar Lacombe

Texto: Nicolás Cuello

Salas: Café

IV. Subprograma: Memoria y Futuro

“Habitando el futuro” coincide también con una fecha histórica de gran relevancia para la Argentina: en 2026 se cumplen 50 años del golpe de Estado que dio lugar a la última dictadura militar en el país, durante la que imperaron la censura, la violencia y el terror. En el trabajo de investigar los trágicos errores del pasado con el fin de construir un futuro distinto y mejor para nuestro país y la región, el Moderno presentará dos ambiciosas exposiciones de carácter inédito que rememoran este doloroso capítulo de la historia argentina y trabajan sobre valores clave de este Museo: la puesta en valor del arte, la imaginación y el rol social del artista, y la investigación permanente y la valoración de la historia. Ambas exhibiciones, que tendrán lugar más allá de las salas de la Av. San Juan, en la ciudad Buenos Aires y en Venecia, fueron desarrolladas gracias a la invitación de dos importantes instituciones. Por un lado, Spazio Punch, un activo espacio de artes contemporáneas veneciano, de la mano de su director creativo, Augusto Maurandi, y por el otro, el Parque de la Memoria - Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, referente en la Argentina de la construcción y transmisión de la memoria, a través de su directora, Florencia Battiti. 

Exposición 6: “Darkness Visible: The Long Shadow of Dictatorship” [“Oscuridad visible: La larga sombra de la dictadura”] 

En un gesto inédito, el Museo Moderno llegará hasta la ciudad de Venecia para presentar en Spazio Punch una exposición colectiva simultánea con la 61ª Bienal Internacional de Arte de Venecia 2026. La exhibición propone revisitar cómo el arte ha abordado la violencia, tanto en sus formas más explícitas como en aquellas más difusas, pero igualmente operativas. Reúne a dieciocho artistas y colectivos de distintas generaciones, con obras desde la década de 1970 hasta el presente, y posiciona al arte como un campo privilegiado para comprender la historia y sostener la memoria. 

La muestra incluye artistas que respondieron a la dictadura con denuncia y crítica, otros que encarnaron el pasaje a la democracia y obras contemporáneas que continúan interrogando las violencias actuales, en particular aquellas que afectan a mujeres y comunidades LGBTQ+, muchas veces en forma de feminicidios.

La selección de obras reunidas en la exposición “Darkness Visible” surge de un diálogo curatorial de larga data, mantenido desde mucho antes de que naciera este proyecto. Está inspirado en artistas que el Museo Moderno lleva años estudiando, exponiendo, coleccionando y acompañando, y que han protagonizado algunas de sus exposiciones más definitorias y vibrantes.

Esta exposición, pone de relieve el compromiso del Moderno con la historia y su continua e imperativa relevancia para el presente. 

Con el patrocinio de Adcap Grupo Financiero y el apoyo de las galerías Barro | Arte Contemporáneo, Kurimanzutto, Ruth Benzacar - Galería de Arte y Rolf Art

Artistas:

León Ferrari (Buenos Aires, 1920–2013)

Marcelo Brodsky (Buenos Aires, 1954 – donde vive)

Luis Pazos (La Plata, 1940–2023)

Luis Camnitzer (Lübeck, Alemania, 1937 – Nueva York)

Marta Minujín (Buenos Aires, 1943 – donde vive)

Eduardo Gil (Buenos Aires, 1948 – donde vive)

Aldo Sessa (Buenos Aires, 1939 – donde vive)

Gianni Mestichelli (Ascoli Piceno, Italia, 1945 – vive en Buenos Aires)

Guillermo Kuitca (Buenos Aires, 1961 – vive en Buenos Aires)

Liliana Maresca (Avellaneda, 1951–1994) & Marcos López (Santa Fe, Argentina, 1958 – vive en Buenos Aires)

La Organización Negra (Buenos Aires, 1984–1993)

Sergio De Loof (Buenos Aires, 1962–2020)

Archivo de la Memoria Trans (Buenos Aires, 2012)

Ana Gallardo (Rosario, 1958 – vive en México)

Nicanor Aráoz (Buenos Aires, 1981 – donde vive)

Flavia Da Rin (Buenos Aires, 1978 – donde vive)

Eduardo Basualdo (Buenos Aires, 1977)

Curaduría: Victoria Noorthoorn, Directora, y Patricio Orellana, jefe del Departamento de Curaduría, en colaboración con Augusto Maurandi, Director creativo de Spazio Punch

Coordinación general: Agustina Vizcarra

Diseño museográfico: Iván Rösler

Producción: Julieta Potenze

Exposición 7: “La memoria de la colección: El Moderno en el Parque”

En Moderno presentará, en el Parque de la Memoria - Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, una importante exposición de su colección, realizada en colaboración, con la curaduría de profesionales de ambas instituciones, Nicolás Cuello y Cecilia Nissenbaum. La exposición pondrá en valor las obras de una treintena de artistas que utilizaron al arte como herramienta de análisis, lucha, denuncia o duelo, muchas de las cuales no fueron expuestas en nuestras salas durante los últimos años. En un tiempo marcado por la censura y la violencia política, estos artistas lograron poner imágenes y palabras allí donde se buscaba imponer el silencio y la desaparición. El proyecto colabora en la promoción social de valores democráticos que priorizan el respeto integral de los derechos humanos y revaloriza la capacidad de la práctica artística como un lugar de encuentro, reelaboración y reflexión colectiva sobre el pasado reciente y sobre la actualidad.

Artistas participantes:

Paulina Berlatzky (La Plata, 1918–1982)

Marcelo Brodsky (Buenos Aires, 1954 – donde vive)

Juana Butler (Buenos Aires, 1928–2017)

Juan José Cambre (Buenos Aires, 1948)

Ricardo Carpani (Tigre, 1930 – Buenos Aires, 1997)

Ricardo Carreira (Buenos Aires, 1948–1993)

Juan Carlos Castagnino (Mar del Plata, 1908 – Buenos Aires, 1972)

Elda Cerrato (Asti, Italia, 1930 – Buenos Aires, 2023)

Diana Dowek (Buenos Aires, 1942 – donde vive)

Roberto Elía (Buenos Aires, 1950–2025)

Sara Facio (San Isidro, 1932 – Buenos Aires, 2024)

León Ferrari (Buenos Aires, 1920–2013)

Edgardo Giménez (Santo Tomé, 1942)

Norberto Gómez (Buenos Aires, 1941–2021)

Carlos Gorriarena (Buenos Aires, 1925 – La Paloma, Uruguay, 2007)

Víctor Grippo (Junín, 1936–2002)

Alberto Heredia (Buenos Aires, 1924–2000)

Enio Iommi (Rosario, 1926 – San Justo, 2013)

Leandro Katz (Buenos Aires, 1938)

Carlos Langone (Buenos Aires, 1945–2021)

Rómulo Macció (Buenos Aires, 1931–2016)

Josefina Mazzaglia (Vicente López, 1923)

Marta Minujín (Buenos Aires, 1943)

Luis Felipe Noé (Buenos Aires, 1933–2025)

Marie Orensanz (Mar del Plata, 1936)

Diulio Pierri (Buenos Aires, 1954)

Josefina Quesada (Buenos Aires, 1930–1988)

Juan Carlos Romero (Avellaneda, 1931)

Gabriel Salomón (Buenos Aires, 1943)

Antonio Seguí (Villa Allende, 1934 – Buenos Aires, 2022)

Luis Seoane (Buenos Aires, 1910 – La Coruña, España, 1979)

Aldo Sessa (Buenos Aires, 1939)

Carlos Squirru (Buenos Aires, 1934–2022)

Carlos Ernesto Uría (Buenos Aires, 1929–2007)

Edgardo Antonio Vigo (La Plata, 1928–1997)

Horacio Zabala (Buenos Aires, 1943)

Curaduría: Nicolás Cuello, curador del Museo Moderno, y Cecilia Nisembaum, curadora del Parque de la Memoria-Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado

V. Semana Aniversario: del 16 al 19 de abril

Cronograma: 

Jornadas “Habitando el futuro” (del jueves 16 al domingo 19 de abril) 

Conferencias, entrevistas, mesas redondas y recorridos guiados con la participación de artistas, investigadores, diseñadores y curadores nacionales e internacionales.

Viernes 17 de abril | 19 h

Noche de Colección: Reservas abiertas

Visita guiada especial a las reservas del Museo junto a artistas de la colección. Actividad con cupo limitado e inscripción previa. Cupo completo.

Sábado 18 de abril

15 h | Inauguración del Programa 2026 “Habitando el futuro”

15.30 h | Apertura de exposiciones:

• “Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario” (Primer piso, salas C, E y F)

• “Océano interior” (Segundo subsuelo, sala I)

• “Naturaleza Arquitecta” (Planta baja, salas A y B)

• “Ariel Cusnir: Desde el origen” (Hall)

• “Ana Gallardo: Materiales para la memoria” (Café)

19 a 23 h | Noche Moderna

Fiesta de celebración con música en vivo y DJ sets

19 a 20.30 h Tammy B (DJ set)

20.30 a 21.30 h MissLupe (DJ/Mic set)

21.30 a 23 h Tinkerhell (DJ set)

Jornadas “Habitando el futuro”

En el año de su 70 Aniversario, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta las Jornadas “Habitando el futuro”, una serie de encuentros con artistas, investigadores, diseñadores y curadores argentinos e internacionales, con la intención de abordar las preguntas de la humanidad ante el futuro.

Las jornadas se inscriben en el eje que organiza el Programa Anual 2026 “Habitando el futuro”, una invitación a imaginar, en comunidad, maneras de hacer de nuestra Tierra un lugar mejor. En este marco, el Museo Moderno propone abrir un espacio de intercambio y reflexión en torno al arte como forma de producción de conocimiento: un campo desde el cual revisar las imágenes heredadas del mundo, imaginar otras relaciones entre cultura y naturaleza, y abrir interrogantes sobre los modos en que habitamos la Tierra. ¿Cómo contribuyen las prácticas artísticas a repensar nuestras formas de vida en un momento de profundas transformaciones sociales, tecnológicas y ambientales?

Estos interrogantes se abordarán en conferencias, entrevistas, mesas redondas y recorridos guiados por artistas, en diálogo con las exposiciones, donde se revisarán las narrativas propias de la modernidad y se explorarán nuevas relaciones entre naturaleza, ciencia y poéticas del arte.

Participantes: Alfredo Aracil, Jonathas de Andrade (Brasil), Joaquín Aras, Eduardo Basualdo, Erica Bohm, Grupo Bondi, Manuel Brandazza, Aurora Castillo, Franco Chimento, Ariel Cusnir, Flavia Da Rin, Marta Minujín, Victoria Noorthoorn, Patricio Orellana, Leonardo Puppo, Valentina Quintero, Deon Rubi, Cristina Schiavi, Max Hooper Schneider (Estados Unidos), Felix Shumba (Zimbabue), La Chola Poblete.

Jueves 16 de abril

16.30 h | Bienvenida

Palabras a cargo de Victoria Noorthoorn, directora del Museo Moderno.

16.45 h | Conversación: Marta Minujín (Argentina) y Victoria Noorthoorn, directora del Museo Moderno 

Marta Minujín y Victoria Noorthoorn conversarán sobre el presente de la artista y su perspectiva hacia el futuro, a partir de sus proyectos más recientes.

17.15 h | Conferencia: Jonathas de Andrade (Brasil)

Presenta Patricio Orellana, jefe del Departamento de Curaduría del Museo Moderno.

En esta conferencia, Jonathas de Andrade recorrerá hitos de su trayectoria. Hará foco, especialmente, en obras incluidas en nuestra exposición “Naturaleza arquitecta”: desde trabajos emblemáticos, como “O peixe”, hasta su más reciente proyecto, “Jangadeiros e Canoeiros”, realizado con pescadores del nordeste de Brasil, en el que explora el color y la abstracción y establece resonancias entre el movimiento neoconcreto brasileño y las tradiciones populares de los pescadores nordestinos. 

18 h | Mesa redonda: Artistas contemporáneos en la Colección del Moderno

Participan Nicanor Aráoz, Eduardo Basualdo, Flavia Da Rin y La Chola Poblete. Moderan Nicolás Cuello y Raúl Flores, curadores del Museo Moderno.

En esta conversación, cuatro grandes artistas contemporáneos que integran la Colección del Museo Moderno pondrán en diálogo la actualidad de sus trayectorias profesionales y sus procesos creativos, atendiendo al impacto personal que tuvieron las exhibiciones individuales y los proyectos editoriales desarrollados junto al Museo. Este intercambio busca poner en común su práctica, con la intención de trazar un mapa de interrogantes en el arte contemporáneo argentino.

Viernes 17 de abril

17 h | Mesa redonda: Diseño argentino contemporáneo en la Colección del Moderno

Participan Grupo Bondi, Deon Rubi y Leonardo Puppo. Modera Franco Chimento, curador de Diseño del Museo Moderno.

Tres diseñadores jóvenes abordarán la producción del diseño argentino contemporáneo como un campo de tensiones entre diseño, industria, arte, oficio y artesanía. La conversación propone una lectura sobre los desafíos del trabajo actual, las condiciones de producción, los modelos de circulación y las economías híbridas, a través de la exploración de las nuevas formas de pensar el objeto en la escena contemporánea.

18 h | Conversación con artistas integrantes de la exposición “Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario”

Participan Cristina Schiavi, Joaquín Aras y Valentina Quintero. Modera Fernando García, curador de Programas Públicos del Museo Moderno.

Una aproximación a la exposición de la Colección del Museo, a partir de la voz de artistas cuyas obras dialogan con grandes figuras de la historia del arte desde una perspectiva contemporánea.

Domingo 19 de abril

17 h | Conversación con artistas integrantes de la exposición “Océano interior”
Participan Max Hooper Schneider (Estados Unidos), Aurora Castillo (Argentina) y Erica Bohm (Argentina). Modera Alfredo Aracil, jefe de Educación del Museo Moderno.

En un recorrido minucioso por sus obras, los artistas compartirán sus investigaciones en torno a los océanos, el arte y la ciencia. Esta actividad cuenta con traducción simultánea.

18 h | Recorrido junto a los artistas participantes de la exposición “Naturaleza arquitecta”

Participan Ariel Cusnir (Argentina), Manuel Brandazza (Argentina) y Felix Shumba (Zimbabue).

Los artistas compartirán los procesos detrás de sus obras y se referirán a la relación entre imagen, espacio arquitectónico y experiencia pública en Buenos Aires y en el sur de África. 

VI. La misión del Museo Moderno 

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires es la casa de los artistas argentinos y el museo de referencia del arte argentino moderno y contemporáneo a nivel nacional e internacional, dedicado a promover la creación artística y el desarrollo de la imaginación, a incentivar la investigación permanente y la actitud experimental de artistas argentinos, y a apoyar la producción de obras, exposiciones y publicaciones, la difusión de las ideas y la formación profesional, todas acciones que generan, a su vez, un importante desarrollo económico.

El Museo Moderno aspira a seguir creciendo como un museo dinámico, flexible y permeable, que promueve la escucha y un diálogo horizontal y constante con la sociedad, multiplicando los vínculos entre arte y educación e incentivando una cultura de pertenencia. El Museo Moderno se afirma en y desde el sur, como un espacio inclusivo, federal, accesible y solidario, que asume la responsabilidad de incentivar el pensamiento artístico en el marco, y de la mano, de una extensa y vibrante comunidad artística argentina. En un diálogo hermanado con los artistas y sus muy variados públicos el Museo Moderno concibe al arte como un vehículo de descubrimiento, conocimiento, comprensión y sanación.

El Museo Moderno fue fundado en 1956 por Rafael Squirru, quien supo imaginar un museo en movimiento, capaz de navegar las aguas más desafiantes a bordo del Buque Yapeyú, sobre el cual lanzó su primera exposición de artistas argentinos que alcanzó 22 puertos alrededor del mundo. Esta imagen de un museo audaz, empapado del clima imperante y decidido a navegar un rumbo de incertidumbres y desafíos, pero también de futuros descubrimientos, es el museo que nos inspira, nos fortalece y nos impulsa hacia el futuro.

El artista contemporáneo crea a través de su arte un lugar en el mundo y tiene la valentía de imaginar un mundo mejor para sí mismo y para las futuras generaciones. Este pensamiento constructivo, de entendimiento del pasado, comprensión de la complejidad del presente y construcción de una esperanza hacia el futuro, guía a este Museo Moderno en el camino de la sustentabilidad, la equidad y la inclusión, mientras afirma la libertad de expresión y la importancia de la imaginación para el desarrollo humano.

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MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES

Avenida San Juan 350, San Telmo

Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11.00 a 19.00. 

Sábados, domingos y feriados de 11.00 a 20.00. 

(Martes cerrado)

Miércoles: entrada sin costo para público general. 

Entrada general: $4000 para visitantes residentes en Argentina.

Sin cargo: jubilados, menores de 12 años, personas con discapacidad y acompañante, grupos de estudiantes de escuelas públicas. 

Acceso gratuito con credenciales al día: docentes, estudiantes universitarios, periodistas, Pase cultural. 

Reserva de entradas en museomoderno.org/entradas/